La inspiración en las cosas rudimentarias (2011)

Alexis Yebra / La inspiración en las cosas rudimentarias
Alban Martínez Gueyraud
crítico de arte, miembro de AICA

E l artista argentino Alexis Yebra (Capital Federal, 1967) presenta en la galería Fábrica su primera exposición individual en nuestro país titulada Serie subte Asunción. Se trata de un conjunto de pinturas recientes de mediano formato. Yebra, quien desarrolló gran parte de su lenguaje creativo desde Mendoza, pertenece a una nueva generación de pintores abstractos argentinos, cuya obra es especialmente cosmopolita , y que explora la posibilidad expresiva de ciertos recursos mínimos, apelando, a la par, a la historia del arte occidental y el oriental para redescubrir arrinconadas tentativas.

El trabajo de Yebra se halla elaborado a partir de un número escaso de elementos retóricos: color, composición y gesto, presentados a su vez de manera muy simple. No recurre, por tanto, a ciertos logros de la modernidad -y posmodernidad- para ofrecernos imágenes concluyentes, sino que alcanza figuras poéticas cuya fragilidad justamente las vuelve más poderosas. Su lenguaje no es dogmático, sino por entero experimental, repleto de pausas y con la apariencia de un discurso elaborado a partir de fragmentos. Propios del medio, sus recursos nos hablan de la delicadeza de la pintura, pero también de su increíble poder, asomándose a espacios puramente trascendentes.

En la serie presentada en esta muestra se perciben tres características significativas que, a modo de aproximación interpretativa, merecen ser reflexionadas. La primera es que las pinturas fueron realizadas en Asunción. No es obra concebida y realizada en otro lugar, sino enteramente elaborada aquí. Es de suponer, tras un primer razonamiento, que estas piezas hablen de la relación del artista con el tiempo en esta ciudad.

Con sus tratamientos informes, simbólicos, casi místicos inclusive, del espacio de la experiencia, el pintor sugiere su relación con Asunción, y a través de ellos nos permite reconocer que las imágenes del mundo subterráneo urbano pertenecen también a las cualidades esenciales que distinguen esta serie. Por tanto, la materia de sus pinturas refleja un tiempo histórico y cultural, no natural. La materia que vemos constituye asimismo la materia concreta de la vida diaria, de las cosas rudimentarias, las que percibimos en nuestros paseos por Asunción: los papeles que pegamos, rasgamos y desechamos, los escritos automáticos, las pintadas y repintadas de las calles que transitamos. Yebra quiere mediar entre esta ciudad y nosotros, nos hace reflexionar sobre lo real imposible que en ella habita, nos propone retransitarla psíquicamente, nos insinúa la realidad superior del más allá, pero que, paralelamente, nos va trayendo más acá.

Un segundo aspecto explicativo radicaría en que su obra inviste algo que se aproxima a ciertos medios de expresión poética japoneses y, por ende, al budismo zen . Cada trabajo muestra claramente su técnica, manifestando las sutiles imperfecciones de sus componentes y del proceso artesanal, así como de la gestualidad de la mano del artista. Pinceladas, manchas, estampaciones, collages, texturas diferentes: todos estos detalles del gesto se convierten en el centro de su obra y, como los poemas orientales, poseen toda la integridad, la plétora, el vacío mismo de una gota de agua.

En los versos japoneses pareciera que las cosas no pueden expresar ni hacer pensar más que aquello que ellas mismas son. Haciendo una analogía, podemos decir que al contemplar una pintura de Yebra no habría complejas lecturas que descubrir más allá de la propia obra, fuera de la sutileza de sus formas, la austeridad de los colores y la honestidad en el uso de los materiales. La sencillez con que este artista recrea en su pintura los detalles del gesto no arroparía un significado distinto al gesto en sí.

El tercer atributo hermenéutico estaría en que, gracias a la contemplación en el propio proceso de creación, sus obras resultan íntimas, serenas y orientadas hacia el interior. La obra de Yebra abandona el mito de la pintura como representación visual de la realidad para lanzarse a una búsqueda de la revelación por la luz y la densidad mundana de la materia. Consigue infundir a la superficie inanimada una intensa irradiación y una alta capacidad de evocación. Si bien se trata de una realidad sensorial, un aura espiritual envuelve, como si algo evidente fuera, cada una de sus obras.

En efecto, cuando se inspira, Yebra lo hace a través de la meditación, con el convencimiento de que la revelación alcanza su comprensión en la encarnación material y cromática que el arte de la pintura hace posible. La meditación es el tiempo de la penumbra, del encuentro con las imágenes desfiguradas de la realidad, de la fantasía, pero también ofrece un camino de transformación del entendimiento y del alma, pues ella -la meditación- entiende el camino de la vida como un camino de total conversión. Para ello es preciso alterar los valores del mundo y poner en la tierra lo celestial; en definitiva, la pronunciación interior de nuestros espíritus.

Asunción, julio 2011

Alexis Yebra/L’Inspiration des choses rudimentaires
Alban Martinez Gueyraud
critique d’art, membre de l’AICA

L ’artiste Argentin Alexis Yebra (Buenos Aires, 1967) présente à la galerie Fábrica sa première exposition individuelle dans notre pays intitulée : Serie, Subte Asunción . Il s’agit d’un ensemble de peintures récentes de taille moyenne. Yebra qui a développé une grande partie de son langage créatif à Mendoza (Argentine), appartient à une nouvelle génération de peintres abstraits argentins dont l’œuvre, spécialement cosmopolite , explore la possibilité expressive de certaines ressources minimales en ayant recours, en même temps, à l’histoire de l’art Occidental et Oriental pour redécouvrir des ressources oubliées.

Le travail de Yebra s’élabore à partir d’un nombre succinct d’éléments rhétoriques : la couleur, la composition et le geste, présentés à la fois de manière très simple. Il ne nous offre pas des images évidentes mais obtient des figures poétiques dont la fragilité les rend plus puissantes. Son langage n’est pas dogmatique mais entièrement expérimental, plein de pauses et avec l’apparence d’un discours élaboré à partir de fragments. Ses ressources nous parlent de la délicatesse de la peinture mais aussi de son incroyable pouvoir.

Dans la série présentée l’on aperçoit trois caractéristiques significatives qui, comme interprétation, méritent d’être analysées. La première est que toutes les peintures ont été réalisées à Asunción. Ce n’est pas une œuvre conçue et réalisée ailleurs mais totalement élaborée ici. Alors, on peut supposer que ces œuvres évoquent le rapport de l’artiste avec le temps dans cette ville .

Avec sa manière informelle, symbolique, presque mystique, d’expérimenter la matière, le peintre suggère son rapport avec Asunción et à travers celui-ci, il nous permet de reconnaître que les images du monde souterrain urbain sont une partie essentielle de la série des peintures présentées. Par conséquent, la matière de ses peintures appartient à un temps historique et culturel. Elle constitue en elle-même la matière concrète de la vie quotidienne, des choses rudimentaires, celles que nous apercevons lors de nos promenades dans la ville d’Asunción : les affiches qu’on colle, déchire et on jette. Les écritures automatiques, les graffitis des rues dans lesquelles nous marchons. Avec sa peinture, Yebra nous propose d’être l’intermédiaire entre cette ville et nous, en nous faisant réfléchir sur le réel impossible qui l’habite. Il nous propose de la parcourir mentalement, nous insinue l’autre réalité d’un au-delà mais qui parallèlement nous attire ici même.

Un deuxième aspect de son œuvre à souligner est qu’elle utilise certains moyens qui se rapprochent de l’expression poétique japonaise et de la tradition du bouddhisme zen . Chaque travail montre clairement sa technique, révélant les subtiles imperfections de ses composantes et du processus artisanal, ainsi que le geste de la main de l’artiste. Des coups de pinceaux, des tâches, des drippings, des graffitis, des estampages et collages, des textures différentes : tous ces détails du geste deviennent le centre même de son œuvre et, comme les poèmes orientaux, possèdent toute leur intégrité, le vide même d’une goutte d’eau. Si dans les haïkus japonais il semblerait que les mots évoquent plutôt qu’ils ne décrivent, par analogie, l’on peut dire qu’en contemplant une peinture de Yebra il n’y a pas d’autres lectures complexes à découvrir au-delà de l’œuvre que celle de la subtilité des formes, de l’austérité des couleurs et de la conformité des matériaux. La simplicité avec laquelle le peintre trace et retrace le trait n’a pas d’autre signification que celle du geste en lui-même.

Un troisième élément d’interprétation est que grâce à la contemplation du processus de création, ses œuvres sont intimes, sereines et intériorisées. L’œuvre de Yebra abandonne le mythe de la peinture comme représentation visuelle de la réalité pour se lancer à la recherche de la révélation de la lumière et de la densité de la matière. Il arrive à insuffler sur la surface inanimée une irradiation spirituelle qui donne une grande puissance d’évocation à ses peintures. Bien qu’il s’agisse d’une réalité sensorielle, une aura spirituelle entoure, comme une évidence, chacune de ses œuvres. En effet, Yebra tire son inspiration de l’intériorisation, convaincu que la révélation ne consiste pas en quelque chose d’ordre surnaturel ni psychologique mais qu’elle est rendue possible grâce à l’action matérielle de peindre. L’intériorisation est le temps de la pénombre, de la rencontre avec les images défigurées de la réalité et de la fantaisie. Ce temps ouvre aussi un chemin de transformation de la compréhension et de l’esprit que Yebra parcourt en peignant.

Assomption, juillet 2011

-Alban Martinez Gueyraud, Arquitecto, crítico de arte, miembro de AICA